Auslöser der selbstbewußten Wahl für eine Ausstellung waren die Arbeiten des japanischen Konzept-Künstlers Tazro Niscinos. Niscino arbeitet seit einigen Jahren in Deutschland – wie international – mit künstlerischen Eingriffen und Irritationen im öffentlichen Raum.

Er bricht Alltagserfahrung und Routine durch die einschneidende Veränderung von Lebenswelt. Als er 2001 in Münster die 2 Meter große Uhr vom Dach der juristischen Fakultät der Universitätsstadt holte und sie mit der Wanduhr der Kantine vertauschte, waren Passanten und Studenten gleichermaßen irritiert. Orientierung war unterbrochen, Räume waren verändert und ein Bewusstwerdungsprozess kam in Gang. Mit aller Selbstverständlichkeit hatte man diese beiden Uhren nur als Informationsträger von Zeit wahrgenommen, niemals ihren eigenen ästhetischen Wert. Bis dato war die Betrachtung der Uhren Routine, der Blick ein Automatismus, nun gestört, bezeichnet, bewusst gemacht. Über diesen Ansatz lässt sich Stadterfahrung und Identitätsbildung hervorragend thematisieren. Niscinos Irritation und der damit einhergehende Perspektivenwechsel sollten programmatisch für die Ausstellung in Ahlen sein.

Niscino reagierte bereits beim ersten Besuch der Stadt Ahlen kreativ und entdeckte für sich die Alte Feuerwache, die, obwohl zentralgelegen, selten die Aufmerksamkeit der Passanten erfährt. Aus vollkommen anderen kulturellen wie auch ästhetischen Kontexten kommend begeisterte er sich stark für die Architektur dieses Gebäudes, weil es ihm fremd und schön vorkam, und lädt mit seinem Konzept "ohne Titel" die Ahlener wie ihre Gäste dazu ein, sich diesem Kleinod auf einer anderen Ebene zu nähern. Mit Hilfe eines Gerüstes wird der Turm der Feuerwache zum Museumsobjekt, eingefasst in einen künstlichen Raum. Der Betrachter begibt sich über eine Treppe auf die Ebene des Turmes und betrachtet ihn wie ein Kunstobjekt im Museum aus der Nähe.

Niscino nimmt die Feuerwache aus ihrer Profanie und entrückt sie in einen anderen musealen, das heißt elevierten Raum – in diesem Fall sogar wörtlich genommen auf einer Höhe von 10 Metern.

Melita Dahl, geboren im australischen Canberra, begegnete Ahlen nicht über die Strassen und Plätze, sondern sofort über die Menschen. Die Verwunderung, die Neugier auf die Menschen, die in Ahlen leben, ließ sie ein Videokonzept entwickeln, das auf intensive Interaktion mit den Bürgern der Stadt abzielt. Und hier beginnt das, was oben bereits mit Kommunikation angedeutet ist. Kunst entsteht nicht nur im Auge des Betrachters, es kann und sollte in diesem Fall auch ein Kommunikationsmodell sein. Vor der Kamera der Künstlerin sollte sich Jung und Alt darstellen. Eingeladen in die verschiedenen Haushalte der westfälischen Kleinstadt motivierte Dahl Familien und alleinstehende Senioren, Jugendliche und Honoratioren, sich zu inszenieren.

Ein Fächer von Gesichtern entstand, die Kunst kehrte ins Haus ein und die Ahlener selbst wurden ein Teil davon. Das Ergebnis wird während der zwei Ausstellungswochen in der zentralen St.Marien-Kirche projiziert, in der Apsis als Einladung zur Betrachtung der eigenen Darstellung. Die Menschen in Ahlen sind somit selbst zum Kunstwerk erkoren, in der Stille eines sakralen Raumes werden die Ahlener für die Ahlener zum Objekt der Konzentration und Auseinandersetzung. Stadtidentität entwickelt sich aus den Identitäten der Menschen selbst.

Melita Dahl nimmt zusätzlich in der künstlerischen, digitalen Bearbeitung des Bildmaterials ihre eigene Art der Irritation vor, mittels einer speziellen Morphtechnik setzt sie Sequenzen der Portraits zusammen, die bei konzentriertem Schauen eine Bewegung verdeutlichen und den Titel "Snapshot Ahlen Westfalen" auf eine filmische Ebene transferieren.

Den Titel der Ausstellung "Verzauberung durch Irritation" erhielt das Konzept durch das Werk des noch jungen Christian Gieraths, der einen zwar zentralen, aber problematischen Ort gewählt hat. Eine künstliche Anlage mit Namen Mariengarten in der Stadtmitte bietet sich, da vandalisiert und oft Anstoß bürgerlichen Ärgernisses zunächst wenig an für eine künstlerische Installation.

Aber gerade die Hervorhebung auch solch problematischer Räume gehört in dieses Konzept. 

Gieraths hat die eigentliche Absicht, hier einen Ort der Ruhe und Erholung einzurichten, sehr ernst wieder aufgenommen und installiert einen großen Glaskubus in der Mitte der im Rechteck angebrachten Bänke und Hecken, der von innen beleuchtet Waldbilder zeigt. Mit diesem "Zauberwald" verweist er auf eine eher meditative, besinnliche Atmosphäre inmitten des Einkaufstreibens und insbesondere an der Stelle, wo sich wöchentlich viele Jugendliche treffen. An solchen Orten mit Glas und meditativen Bildern zu arbeiten, kann sich als Provokation darstellen. Mit Hilfe der Presse und im persönlichen Gespräch aber wurde schon während der Aufbauzeit und in den zwei Wochen danach eine Umkehrung, nämlich die positive Besetzung dieses Mariengartens vollzogen.

Gieraths interpretiert damit deutlich die Existenz des städtischen Raumes über seine Funktion hinaus als Ort der Einladung zu neuen Bedeutungsnetzen, zu Gestaltung und Aufwertung.

Ein in jeder Hinsicht auf Interaktion angewiesenes Werk ist das Projekt des aus Israel stammenden Künstlers Ira Marom. Im Ahlener Heimatmuseum, einem restaurierten Fachwerkhaus gestaltet er mit seiner Sand-Media- Installation einen Wüstengarten. Zwischen historischem Gebälk und hinter dem Scheunentor eröffnet sich dem Besucher eine Landschaft, die Virtualität und Materie, in diesem Fall Sand und Kakteen, zusammenschmelzen lässt. In einem von ihm entdeckten Verfahren ist es Marom möglich, aus dem Internet gezogene Dokumente über ein spezielles Druckverfahren "in den Sand zu setzen".

Ausgehend von der taktilen Erfahrung mit dem Stoff Sand geht der Künstler von einer material-orientierten Basis aus über die Virtualität des Internet als Zeichen für unsere immaterielle Informationsgesellschaft wieder zurück in die Bodenständigkeit. Spuren hinterlassen, das ist sein Ziel. Und damit sind alle Ahlener wie auch ihre Gäste eingeladen, sich selbst über dieses Projekt zu artikulieren. In der intensiven Begleitung durch den Künstler und einer Kunstpädagogin erhält die Stadt Ahlen hier eine außergewöhnliche Plattform, sich mit den aktuellen Themen wie Virtualität und Realität, Vergänglichkeit und Kunst auseinander zu setzen.

Mit dem Titel "body farm" leitet Jürgen Witte mit seiner Installation eine zunächst provokative Ebene ein.

Dieser Begriff leitet sich zum einen aus der wellness- Bewegung her zum anderen aber gilt er als Bezeichnung jenes amerikanischen Versuchsterrains, das aus wissenschaftlichem, insbesondere kriminologischem Interesse den Verwesungsprozess von Leichen dokumentiert. Wittes Installation auf einer wild wachsenden Wiese in Ahlen begegnet dem Besucher zunächst als Form der Malerei.

In 14 "in Reih´ und Glied´" aufgestellten Bundeswehretagenbetten pflanzte er monochrome Farbflächen aus verschiedenen Sommerblumen. Das was aus der Ferne fast wie ein Farbmuster erscheint, verwandelt das Terrain zum einen ästhetisch, zum anderen allerdings auch atmosphärisch, wenn man durch die Bettreihen spaziert. Eine Notbeleuchtung im Bettengang verschafft den Blumen eine unheimliche Ruhe in den Abendstunden. Die Ironie von Blumen belegten Betten erschließt ein Feldlager besonderer Natur. Das Spiel zwischen Natur und Kunst , zwischen Authentizität und Inszenierung umschließt den Betrachter.